Johanna Summer und Igor Levit lösen sich ab bei den Waldszenen Foto Priska Ketterer
Besetzung und Programm Igor Levit Piano Fred Hersch Piano Johanna Summer Piano Mert Yalniz Piano Schumann | Beethoven | Improvisationen
Ankündigung der Lucerne Festivals
Igor Levit Weltklasse am Klavier
Igor Levit und sein Meisterschüler Mert Yalniz spielen klassische Werke, darunter Robert Schumanns Waldszenen und Ludwig van BeethovensSonata Appassionata. Johanna Summer und Fred Hersch antworten darauf mit Improvisationen. Am Ende musizieren sie gemeinsam: Lassen Sie sich überraschen!
Igor Levit interpretierte Schumanns hochromantische «Waldszenen»
Johanna Summer Foto Gregor Hohenberg
Ihm gegenüber nahm die, 1995 in Plauen als Johanna Summerer geborene, mehrmalige Preisträgerin beim Bundeswettbewerb „Jugend musiziert“ und „Jugend jazzt“, Platz.
Sie übernahm jeweils, nach einer kurzen Pause, wenn Levit eine der Szenen fertig gespielt hatte und improvisierte über diese, wobei sie der traditionellen Improvisation treu blieb, also nicht etwa verswingte im Sinne von verjazzte, was eher zu erwarten war.
Mert Yalniz zelebriert Beethovens «Sonata Appassionata»
Mert Yalniz intonierrt Beethoven Foto Priska Ketterer
Der kraushaarige Mert Yalniz, 2003 in Niedersachsen geboren, ist ein Meisterschüler Igor Levits und absolviert gerade dessen Klavierklasse an der Musikhochschule Hannover, aber er komponiert auch. An den Flügel gegenüber setzte sich Fred Hersch, der mit seinem Jazz Trio zwei Tage vorher eine Night Session, im Rahmen des Klavier Festes, im Konzertsaal spielte.
Die «Appassionata»
Fred Hersch Avantgarde am Klavier
“Leidenschaftlich-düster”, dieses Prädikat erhält die Sonate oft in den Konzertführern. Darüber mag man streiten. Nicht aber über das unbändige Temperament, das sie verströmt.
Ein Temperament, gepaart mit klarer Pointierung und kraftvoll gesetzten Harmonien, Yalniz demonstrierte Werkstreue und überliess andere Interpretationen seinem gegenüber Fred Hersch, der sich, so kam es mir aber rüber, bei der ganzen Sache nicht so ganz wohl fühlte.
Keine Frage, dass alle Beteiligten aussergewöhnlich gut Klavier spielen
Die vier Ausführenden bei der Zugabe Foto Priska Ketterer
Das Ganze aber hing irgendwie in der Luft, etwas zusammenhangslos. Eine Verbindung wäre erreicht worden, wenn der Interpret des Originals die letzten Anschläge einer Sequenz quasi fliegend übergeben hätte, die Improvisierenden, ich nenns jetzt mal so, den Ton Faden aufgenommen und weitergesponnen, damit quasi fliessend in die Improvisation überführt hätten.
Die Künstlerinnen danken für die Standing Ovation Foto Priska Ketterer
Dem Publikum schien es aber zu gefallen, obwohl sich wahrscheinlich die wenigsten darüber im Klaren waren, was sie erwarten würde. Der stürmische, langanhaltende Schlussapplaus bewirkte dann auch, dass das geschah, was sich die meisten erhofften, nämlich, dass alle vier sich an die Flügel setzten, Hersch und Yalniz an den linken, Summer und Levit an den rechten. Zu vieler Enttäuschung zündeten die Protagonist*innen dann aber kein Schlussbouquet, sondern begnügten sich mit ein paar Anschlägen und Takten aus Wolfgang Amadé Mozarts zwölf Variationen über das französische Kinderlied «Ah vous dirai-je Maman». So erlebten wir halt ein aussergewöhnliches Konzert der etwas anderen Art und die Absetzung des 1998 gegründeten, 9 Tage im November dauernden und 2019 leider ersatzlos gestrichenen Lucerne Festivals am Piano wurde einem einmal mehr schmerzhaft bewusst.
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Besetzung und Programm Fred Hersch, Klavier Clemens van der Feen, Bass Joey Baron, Schlagzeug Musik von Fred Hersch, Thelonious Monk und aus dem Great American Songbook
Zu den Ausführenden
Pianist Fred Hersch, der Bassist Drew Gess und der Schlagzeuger Joey Baron zählen nicht nur seit Jahrzehnten zu den Fixsternen der Jazzszene. Sie verbindet auch – in unterschiedlichen Konstellationen – eine ebenso lange künstlerische Partnerschaft.
Zum Pianisten
Er ist nicht nur ein musikalisches Wunder, sondern auch ein medizinisches: Nach einem Koma, aufgrund seiner Aids Erkrankung im Jahr 2008, musste Fred Hersch das Klavierspielen neu erlernen, heute zählt er zu den wichtigsten Vertretern des zeitgenössischen Jazz.
Das Konzert
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Um Punkt 22.00 Uhr enterten drei hagere Männer die Bühne, wo ihre Instrumente schon bereitgestellt waren zu dieser, für das Lucerne Festival, doch recht späten Zeit.
Kaum hingesetzt scherzte Hersch etwas Richtung Publikum er war aber nur schwer verständlich, nuschelte er doch auf englisch etwas vor sich hin und erklärte, dass man mit einem Stück des englischen Komponisten Ken Miller ins Konzert starte.
Die ersten Stücke waren sich dann sehr ähnlich, etwas monoton und Hersch (1955*) bewegte sich praktisch nur über 2 Oktaven, spielt er doch meist auf der linken, „dunkleren“ Seite der Tastatur. Drummer Joey Baron (1955*) bearbeitete seine diversen Chinellen und Trommeln sehr zurückhaltend, zuerst fast ausschließlich mit bloßen Händen, hie und da benutze er auch die Besen und der jüngste im Bund, Bassist Clemens van der Feen (1980*) tat, was ein Bassist eines Jazztrios eben so tut.
Eigentlicher Auftakt mit Eigenkompositionen
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Richtig los gings eigentlich erst mit den Eigenkompostionen meist aus dem Album „Floating“ des Pianisten, besonders hervorzuheben seine „Sarabande“ und mit Werken seines langjährigen Weggefährten Thelonious Monk und die drei entwickelten sich langsam zu einem richtigen „Piano Bar Trio“.
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Hochkonzentriert interagierend, bisweilen mit geschlossenen Augen in die Grooves hineinspüren und sich vom sanft Lyrischen ins furios Rhythmische reinschaffen, ab und zu garniert mit virtuosen Bassläufen, kurzem Drum Solo, wobei Hersch immer sehr ernst rüberkam, demgegenüber Drummer Joey Baron öfters mit dem Publikum augenzwinkernd flirtete und van der Feen den Bass Steg rauf und runter turnte.
Unterordnung der Egos zugunsten der Kunst des Musizierens
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Die Qualität der drei auf der Bühne agierenden besteht darin, ihre Fähigkeiten ganz in den Dienst ihrer linearen Kunst stellen. Die ist geprägt von einer lakonisch klaren, aus einer unerschöpflich scheinenden Fülle von Einfällen gespeisten Melodieführung und einer ebenso farbenreich raffinierten Harmonik. Dank diverser eingestreuter Soli, vom Publikum umgehend mit Szenenapplaus verdankt, kamen die Musiker trotzdem zu persönlichen «Erfolgserlebnissen», die sie aber grundsätzlich dem Ganzen unterordneten.
Zitat Fred Hersch «Nach 40 Jahren weiss ich nun, wie Jazz sein sollte «sich einfach hinsetzen und es passieren lassen. Es geht nicht darum, alles zu rekapitulieren, was du weisst, sondern dorthin zu gehen, wo du noch nie warst.»
Resümee
Klavier Fest Konzertfoto 19.05.2023 Fred Hersch Trio von Patrick Hürlimann
Das Trio beeindruckt bei den Hersch-Kompositionen, darunter die fast comichafte Stop-and-Go-Nummer „Snape Maltings“, ebenso wie beim Rodgers & Hammerstein-Klassiker „A Cockeyed Optimist“ oder den wunderbaren Verbeugungen vor Thelonious Monk, die den offiziellen Teil des Konzerts beendet.
Erstaunlich jedenfalls, dass Fred Hersch, bereits zehnmal für einen Grammy nominiert und mit seinem Trio unlängst vom Fachmagazin „Downbeat“ als Band des Jahres ausgezeichnet, bei uns immer noch im Schatten von Brad Mehldau steht – der übrigens lange Zeit sein Schüler war. Hersch, van der Feen und Baron haben mit ihrem gefühlvollen (aber nie gefühligen) Jazz unbedingt ebenfalls die ganz große Bühne verdient.
Die erklatschte Zugabe zelebrierten die drei mit einer äusserst sanften, sehr gefühlvollen Adaption von Bernstein’s «Somewhere» aus dessen «West Side Story».
Schöne Erfahrung und Gelegenheit für das Auditorium, das *Lucerne Festival» mal auf eine nichtklassische Art zu erleben und dank dem nicht erlahmenden Schlussbeifall gewährten die Protagonisten noch eine weitere Zugabe.
adattamento teatrale Flavio Stroppini e Monica De Benedictis regia Flavio Stroppini |con Margherita Saltamacchia e Rocco Schira | scena video Monica De Benedictis | grafica animata Mauro Macella | light design Marzio Picchetti (assistente Pietro Maspero) | musiche originali Andrea Manzoni (eseguite con Matilda Colliard e Martino Pini; mix musiche Valerio Mina) | nebbia in scena a cura di Nephos | sarta di scena Arianna Cortese | allestimento tecnico Alexander Budd | produttore Gianfranco Helbling | produzione Teatro Sociale Bellinzona – Bellinzona Teatro | in coproduzione con Nucleomeccanico.com, 2020
Olocene Szenenfoto von Valerio Casanova
Mit ‘Olocene’ im Teatro Foce Lugano präsentiert der Regisseur Flavio Stroppini Max Frisch’ ‚Der Mensch erscheint im Holozän’. Wie bereits 2021 im Teatro Sociale Bellinzona mit den Videos von Monica De Benedictis, der Graphik von Mauro Macella und dem Light Design von Marzio Picchetti. Es handelt sich um die erste Bühnenfassung dieser Erzählung auf italienisch (Uebersetzung von Bruna Bianchi für den Verlag Einaudi,Torino).
Max Frisch’ gleichnishaftes Werk
Olocene Szenenfoto von Valerio Casanova
‘Der Mensch erscheint im Holozän’ ist ein gleichnishaftes Werk, das Max Frisch als “sein gelungenstes und vollkommenstes“ bezeichnete. Die Erzählung ist mindestens zum Teil biographisch – auch er hatte sich für seinen Lebensabend in ein Tessiner Bergdorf zurückgezogen –, und sehr persönlich sind auch die vom Autor angepackten Themen. Zum Beispiel die Einsamkeit und die unvermeidbaren Gedächtnisprobleme im Alter, sowie Sterblichkeit und Irrilevanz des Menschen.
Ein beunruhigendes Szenario
Olocene Szenenfoto von Valerio Casanova
Nachdem ein Bergrutsch ein kleines Tessiner Dorf von der Umwelt total abgeschnitten hat, und während es draussen in Strömen regnet, versucht Herr Geiser, ein 74jähriger Witwer, der sich nach seiner Pensionierung im Tal niedergelassen hat, ständig aber vergebens eine Pagode aus Crackers zu bauen. Was könnte er sonst noch tun? Sicher frenetisch aber systematisch lesen, um sich dann Notizen zu machen und sein Zuhause mit Passagen aus Lexika oder aus der Bibel zu bekleben. Ihn interessieren besonders Informationen aus Wanderführern, welche Geschichte und Geologie des Tessins betreffen, Einträge zu den verschiedenen Donnerarten – er ist imstande, mehr als sechzehn Arten zu erwähnen – und zu Dinosauriern. Kontakt mit anderen Dorfbewohnern sucht er nicht, er kann nur ein wenig Italienisch, geschweige denn den Dialekt des Tals.
Der Kampf mit der Natur
Margherita Saltamacchia und Rocco Schira als Tochter Corinne und Herr Geiser
Im Grunde ist Geisers Leben ein Kampf nicht nur mit der Natur draussen geworden, sondern auch mit seiner eigenen. Ja, die Naturgewalt konfrontiert ihn eben mit seiner eigenen Belanglosigkeit – der Mensch taucht ja erst im Holozän auf. Total auf sich gestellt, im Rausch des Sammelns ganz verloren, versucht er seiner Existenz, mehr, seinem eigenen Dasein einen Sinn zu geben. Sogar als er einmal sein Haus verlässt, um ein Blick ins Tal zu werfen und herumzuwandern bis er Schmerzen in den Beinen verspürt, verbessern sich die konfusen Gedanken und Empfindungen nicht.
Eine doppelte Erosion
Beschrieben wird eine langsame, doppelte Erosion, nicht nur des Berges, sondern auch von Geisers Denkvermögen. Die schleichende Erosion in der Natur wiederholt sich in seiner Persönlichkeit: mit Kraft, wenn auch vergebens, versucht er gegen das Chaos in seinem Garten sowie in seinem Hirn zu kämpfen, alles scheint jedoch zu zerbröckeln. Nur, das Dorf kann wieder aufgebaut werden, nicht aber sein Denkvermögen. Er ist nicht einmal mehr imstande, die Übersicht über all die Notizen zu bewahren; er wird immer vergesslicher, ja die Wetterkatastrophe ist nicht schmerzlicher als sein Gedächtnisverlust.
Die grossartige Leistung der Schauspieler
Am Ende bleiben nur tote Blätter
Während auf der Bühne die verschiedenen kleinen Räume des Hauses zu sehen waren, während die toten Blätter am Boden die unsichtbaren Zettel an den Wänden fast symbolisierten, beeindruckten Rocco Schira in der Rolle des Herrn Geiser und Margherita Saltamacchia als seine Tochter Corinne. Der Schauspieler verkörperte einen noch jugendhaften Geiser, am Anfang eher verhalten, dann immer energischer, zum Bespiel, als er die Tochter fragte, weswegen sie ihn wie ein kleines Kind behandelt; voller Freude, hingegen, als er die zahlreichen Donnerarten auflistete. Die Schauspielerin stellte eine melancholische und resignierte dennoch starke Figur dar, die wie der Chor in einer alten Tragödie wirkte. Man war von Anfang an im Banne der sich kreuzenden Monologe von Vater und Tochter, mal so nahe, mal so distant voneinander. Ja, immer als ob Energie und Melancholie im Kampf gegeneinander wären.
Eine frühere Bühnenfassung in Luzern
Wir erinnern uns übrigens an eine frühere hochemotionale Inszenierung von ‘Der Mensch erscheint im Holozän’, jene von Felix Rothenhäusler am Luzerner Theater in 2017: eine Aufführung, die mit eloquenten Passagen der Zehnten von Mahler endete. In Lugano gaben das Cello von Matilda Colliard und die Gitarre von Martino Pini (Musik von Andrea Manzoni) der Interpretation einen manchmal fast zu scharfen Rhythmus.
Das Luganese Publikum bedankte sich mit einem langen, herzlichen Applaus
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847) Ein Sommernachtstraum op. 61 (Auszüge)
George Templeton Strong (1856 – 1948 Genf) Le Livre d’Images, Suite Nr. 3
Grundsätzliches zum Orchester ab Homepage Swiss Orchestra :
Swiss Orchestra Foto by Valentin Luthiger
Die Schweiz ist für vieles berühmt, aber kaum für ihre Sinfonik. Schweizer Komponist*innen der Klassik und Romantik fristen ein Schattendasein – und das im eigenen Land wie auch weltweit. Das Swiss Orchestra will Schweizer Werke hörbar und ihre Schöpfer*innen sichtbar machen und strebt nichts weniger als eine Renaissance der Schweizer Sinfonik an.
Antonio Vivaldi (1678 – 1741) Concerto Grosso a-Moll RV 356 op. 3 Nr. 6
Dirigentin Lena-Lisa Wüstendörfer
Die Streicher*innen waren aufgereiht, die Dirigentin auf dem Pult, das sie plötzlich unvermittelt wieder verliess, kurzes Erstaunen beim Publikum, machsichtiges, wissendes Lächeln auf den Gesichtern der Musiker*innen. Dann hörte es man es selber auch: ein leichtes summen/sirren der Klimaanlage hatte Lena – Lisa Wüsterdörfer irritiert und, ja, etwas erbost, weshalb sie hinter der Bühne die nötigen Anweisungen erteilte, dieses Problem zu eliminieren. Als die Angelegenheit erledigt, das Problem gelöst war, nahm die Dirigentin wieder ihren angestammten Platz ein und startete mit dem Vivaldi – Stück in den Konzertabend.
Vivaldis Vorliebe für die Improvisation
Lena Lisa Wüstendörfer leitet das Swiss orchestra
Die große Rolle, die die Improvisation in Konzertaufführungen des 18. Jahrhunderts spielte – insbesondere bei der „Verzierung“ der Solostimmen und der Ausführung des Continuo – hinterlässt für den modernen Spieler viele Probleme. Die wenigen Beweise, die wir von Vivaldis Praxis haben, deuten darauf hin, dass er, wo er eine aufwändige solistische Dekoration benötigte, dies anzeigte (wie in den verschwenderischen langsamen Sätzen von V, VI und IX) oder die Konvention einer Corona verwendete, um einen vorübergehenden Halt anzuzeigen für eine Kadenz. An anderer Stelle scheint Johann Joachim Quantz’ (dem Flötenlehrer Friedrich des Großen) Rat am treffendsten: „Man sollte es vermeiden, die lyrischen Ideen zu variieren, deren man nicht so schnell müde wird, und ebenso die brillanten Passagen, die selbst eine ausreichend angenehme Melodie haben. Man sollte nur solche Ideen variieren, die keinen großen Eindruck machen. Und am treffendsten für den langsamen Satz von sagt er: „Ein Siciliano sollte sehr einfach gespielt werden, mit kaum Trillern und nicht zu langsam. Man sollte hier außer einigen Appogiaturen nicht viele andere Verzierungen verwenden, weil es sich um eine Nachahmung eines sizilianischen Hirtentanzes handelt. In Bezug auf das improvisierte Continuo-Element bestätigen zwei Fragmente einer von Vivaldi selbst geschriebenen Realisierung die Ansicht, dass die Italiener das Continuo eher als Hintergrundunterstützung der Harmonie denn als Vordergrundkonkurrent des Solisten betrachteten.
Möglicherweise, wahrscheinlich sogar, hat der Solist des Werkes an diesem Abend, Konzertmeister Shemiyaz Mussakhan aus Kasachstan, Kenntnis von Quantz Annahme und spielte das Stück in dessen und der Dirigentin Sinn, unglaublich präzis, auch in schwierigsten Sequenzen der Partitur, hochkonzentriert, trotzdem nicht verkrampft, immer bestens unterstützt von seinen Orchestergspänli, die, da Vivaldi- Werk, noch ohne die Bläser – und Schlagwerksektion, auf der Bühne waren.
Ein typisches Vivaldi Werk mit sehr vielen Läufen, haufenweise Kapriolen und Stolpersteinen, technisch unglaublich anspruchsvoll, musikalisch herausfordernd. All diese Klippen meistere der Violinist sehr souverän und die Ausführenden wurden vom Auditorium mit dementsprechendem Applaus bedacht.
Wie die Dirigentin vorab kurz erläuterte, spiele man das Konzert mit gleichen Werken wie bei der seinerzeitigen Uraufführung, die 1921 vom Widmungsträger Adolf Busch gespielt wurde, dieses spätromantische A-Dur-Werk von Hermann Suter, dessen lichtdurchflutete, von naturhafter Lyrik erfüllte Ecksätze ein düsteres, autobiografisch gefärbtes Tempestoso umschließen.
An diesem Abend war Michael Barenboim als Gastsolist verpflichtet um Suters Werk den nötigen Glanz zu verleihen, wobei ich mir sicher bin, dass Konzertmeister Shemiyaz Mussakhan den hohen Anforderungen auch gerecht geworden wäre, wie wir ja anschaulich, respektive anhörlich, bei der vorherigen Vivaldi Komposition feststellen konnten.
Glanzvolle Interpretation eines etwas vergessen gegangenen Meisterwerks
Nach einem sanften Einstreicheln begrüsst den Zuhörer eine vorwitzige Oboe, zu der sich die anderen Bläser gesellen und alles mündet schlussendlich in ein kräftiges, aber nicht aufbrausendes Tutti. Aus dem lösen sich anschliessend die Streicher wieder und werden dann von den Bläsern «überflogen».
Suter mit Vorwärtsdrang
Michael Barenboim Solist Violine.
Später, nach ungefähr einem Drittel der Spielzeit, geht’s forsch, fast marschartig vorwärtstreibend weiter, mit Fanfaren, Pauken usw. was eben so zu einem rassigen Marsch dazu gehört. Der Schweizer Komponist, respektive das von Lena Lisa Wüstendörfer souverän und bestimmt durch die Partitur geleitete «Swiss Orchestra», lässt es ab und zu auch mal richtig «krachen», was dem, eher ländlichen Publikum im schönen Berner Casino Konzertsaal, natürlich ausnehmend gut gefällt.
Rossini und S’Vreneli lassen grüssen
Suter erweist in einer späteren Sequenz kurz Rossinis Wilhelm Tell Ouvertüre die Referenz und zitiert gegen Ende, nach ungefähr 40 Minuten, das alte Berner Volkslied «S’ Vreneli abem Guggisberg».
Gastsolist Barenboim Philosoph mit der Violine
Solist Michael Barenboim Foto Marcus Hoehn
Über all dem schwebt der Solist mit dem «Sologesang» seiner Geige, setzt da einen furiosen Lauf, da ein filigranes Tremolo, haucht da ein zartes Vibrato hin, bewegt sich technisch brillant und bombensicher auf dem Klangteppich, den ihm das Orchester legt. Michael Barenboim wurde auch schon mal als Philosoph mit der Geige betitelt, spricht vier Sprachen und hat tatsächlich auch zwei Semester Philosophie an der Pariser Sorbonne studiert, bevor er sich ganz der Musik verschrieb. Die Künstler wurden vom Publikum mit einem stürmischen, langanhaltenden Applaus bedacht und wiederholt auf die Bühne zurück geklatscht, sodass schlussendlich Barenboim nicht umhin kam, eine kurze virtuose Zugabe zu gewähren, was ihm prompt eine grossen Extraapplaus einbrachte, bevor man sich zufrieden in die Foyers zur Pause begab.
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 – 1847) Sommernachtstraum op 61(Auszüge)
Zur Komposition
Mendelssohn komponierte die Ouvertüre zunächst für Klavier zu vier Händen. In dieser Version spielte er sie oft zusammen mit seiner Schwester Fanny,
Lena-Lisa Wüstendörfer feilt an jedem Detail.
Das Werk verbreitete sich schnell in Europa und stand bereits 1830 in einem New Yorker Konzert auf dem Programm. 1843 war die Ouvertüre längst allgemein bekannt und da Shakespeares Bühnenstück in der Regel mit Mendelssohns Musik aufgeführt wurde, reichte der Komponist, beauftragt von König Friedrich Wilhelm IV., die komplette Schauspielmusik op. 61 nach. Bei der Komposition der einzelnen Stücke, von denen vor allem das Scherzo und der Hochzeitsmarsch berühmt wurden, orientierte sich Mendelssohn an seiner 17 Jahre älteren Ouvertüre, zu der er die Schauspielmusik in stilistischer Einheit schuf.
Der Auftakt mit den ebenso berühmten, wie berüchtigten liegenden Holzbläserakkorden kein Problem für die Bläser*innen des Residenzorchesters der Andermatt Concert Hall, ebenso wenig wie die nachfolgenden Höchstschwierigkeiten für das gesamte Ensemble.
Die Elfen tanzen durch den Saal
Die Protagonist*innen auf der Bühne lassen scherzhaft neckisch die Elfen durch den Saal tanzen, Zu Beginn ist hier alles federleicht und filigran, die Künstler agieren phonetisch zurückhaltend, ergänzen sich bestens und harmonieren vorzüglich.
Stilvoll ausbalanciertes Musizieren
Ein feines, transparent und wunderbar ausbalanciertes Musizieren, man spürt den Enthusiasmus der Dirigentin, der sich auch auf das Orchester überträgt. Diese Interpretation zeichnet sich durch großen Atem und nicht nachlassende Intensität aus.
Perfekte Umsetzung von Mendelssohns Intentionen
Lena Lisa Wüstendörfer leitet das Swiss orchestra.
Die tonale Umsetzung des Shakespeare Stoffes zeichnet die Geschichte der Elfenkönige Oberon und Titania mit ihrem ganzen Volke nach, die fortwährend im Stück erscheinen, bald hier bald dort; dann kommt Herzog Theseus von Athen und geht mit seiner Braut in den Wald auf die Jagd, dann zwei zarte Liebespaare, die sich verlieren und wiederfinden, dann wieder die Elfen, die sie alle necken – und daraus baut sich eben das Stück. Wenn sich am Ende alles gut gelöst hat und die Hauptpersonen glücklich und in Freuden abtreten, so kommen die Elfen ihnen nach, segnen das Haus und verschwinden, wenn es Morgen wird. So endet Shakespeares Schauspiel und auch Mendelssohns kraftvolle Ouvertüre.
George Templeton Strong (1856 – 1948 Genf) Le Livre d’Images, Suite Nr. 3
Der 1856 in New York geborene Komponist liess sich 1888 am Genfersee nieder und verschied im hohen Alter von 92 Jahren in Genf Da er die meiste Zeit auch dort gelebt hatte, vereinnahmen ihn dessen Bürger als Genfer Komponisten, wie uns die Dirigentin wissen liess.
Die Komposition, obwohl mir fremd, tönte trotzdem irgendwie bekannt, war brav im Stil der seinerzeitigen Epoche gehalten, überraschte aber dennoch durch ihre Ausgewogenheit und Transparenz.
Eher ungewohnte Töne zum Schluss
Die Musikerinnen geniessen den Applaus Foto Hermine Tschopp
Das Auditorium «fremdelte» irgendwie, war diese Art Musik, halt kein Brahms, Schumann, Schuber, gar Mozart, nicht gewohnt da natürlich auch nicht oft in audio- und visuellen Medien präsent. Ein Konzertabschluss, der aber dem Credo der Dirigentin entspricht, nicht unbedingt mit abgedroschenen «Gassenhauern» punkten zu wollen.
Der dennoch sehr lange Schlussapplaus dürfte sie und ihre Mitmusiker*innen in ihrem Vertrauen auf musikalische Qualität einmal mehr bestätigt haben.
